Aprender a tocar diferentes estilos de batería es una forma estupenda de desarrollarse como batería. Puede ayudarte a ampliar tus horizontes como músico y sacarte de tu zona de confort detrás del kit.
Cada estilo de batería tiene su propio tipo de ritmo como fuerza motriz. La música latina utiliza mucho los patrones de ostinato en el bombo, los bateristas de jazz suelen emplear complejos patrones de ride cymbal, mientras que los bateristas de metal lo dan todo con el doble bombo.
Así que, para tu próxima sesión de práctica, toca un género con el que no estés familiarizado. Puede que te haga enfocar tu práctica desde un ángulo completamente distinto.
1. Batería Rock
https://youtu.be/MHj9XlV3fFgEl rock se caracteriza por guitarras eléctricas distorsionadas, ritmos rectos de corcheas y semicorcheas con fuertes golpes de caja en los tiempos 2 y 4, y estructuras melódicas y armónicas sencillas. Por supuesto, se trata de una simplificación del género, pero las escuchará todo el tiempo en la música rock.
El rock se asocia con un sentimiento de rebeldía e inconformismo, razón por la cual atrajo inicialmente a un público más joven. La forma de tocar la batería en el rock es muy sencilla: grooves fuertes e intensos con grandes rellenos, muy en consonancia con el propio género.
Algunos de los baterías de rock más famosos de todos los tiempos son John Bonham (Led Zeppelin), Ginger Baker (Cream), Mitch Mitchell (Jimi Hendrix Experience) y Stewart Copeland (The Police), entre otros.
El rock nació del blues, el gospel y la música country. Leyendas como Elvis Presley, Bo Diddley y Chuck Berry se inspiraron en estos géneros para crear un nuevo sonido.
Con el tiempo, el rock ha desarrollado subgéneros como el garage rock, el blues rock y el rock progresivo, por nombrar sólo algunos. Sea cual sea el subgénero, las características de la instrumentación, la estructura de las canciones, la melodía, la armonía y el ritmo se remontan al género que lo originó todo: el rock n’ roll.
2. Batería de jazz
https://youtu.be/V8VRloG_154La música blues suele considerarse el precursor y la influencia más importante de la música jazz. El blues sirvió de base para el desarrollo estilístico y estético del jazz.
La batería en la música de jazz se originó en Dixieland en la década de 1910, en el jazz fusión en la década de 1970 y en el jazz latino en la década de 1980.
El jazz se originó en Nueva Orleans, el Caribe y África. Se nota la influencia de la música de aquella época, aunque el jazz ha seguido evolucionando, incorporando elementos clave de distintos géneros.
El aspecto más importante de la música de jazz es el «swing», que se percibe principalmente a través de la subdivisión en tresillos. El característico patrón ondulante «ting – ting – ta – ting» es la fuerza directriz que acentúa el elemento «swing» del jazz. Sirve de referencia para toda la orquesta.
El jazz requiere un método de percusión fácilmente adaptable, muy diferente de los estilos tradicionales europeos.
La batería de jazz siguió evolucionando a lo largo del siglo XX; sin embargo, ningún estilo sustituyó completamente a los demás y hubo muchas influencias cruzadas entre los distintos estilos.
Al principio, los bateristas tradicionales de jazz se basaban en gran medida en rudimentos y ritmos militares. Sin embargo, con el tiempo evolucionaron nuevas técnicas y una mejor musicalidad. El jazz ha evolucionado en muchos subgéneros, como el bebop, el free jazz, el jazz latino y el jazz moderno. Aunque todos estos géneros se basan en aspectos tradicionales de la música de jazz, también tienen sus propias características.
Entre los bateristas de jazz más influyentes se encuentran Max Roach, Kenny Clarke, Philly Joe Jones, Jimmy Cobb, Warren Baby Dodds, Papa Jo Jones, Buddy Rich y Elvin Jones. Aunque la mayoría de estos bateristas han fallecido, su contribución al mundo del jazz sigue inspirando no sólo a jóvenes aspirantes a músicos, sino también a leyendas vivas.
3. Batería Pop
https://youtu.be/bRM2Gn9nU7QEstructuras de canción sencillas, melodías fáciles de cantar, ritmos de batería de corcheas y semicorcheas y letras simples pero efectivas son la esencia de la música pop. Una canción pop típica suele seguir una estructura de intro-verso, estribillo y final, a veces con sutiles variaciones. Normalmente, la estrofa y el estribillo se alternan y se repiten dos o tres veces.
Aunque los tambores pop suelen ser muy sencillos, hay aspectos sutiles que hay que tener en cuenta. La precisión y la exactitud son esenciales. Los baterías pop deben estar excepcionalmente atentos al metrónomo.
La música pop significa básicamente «música popular». Muchas de las mismas reglas que se aplican a la música rock también se aplican al pop. Sin embargo, las sutiles diferencias que existen tienen que ver con las diferencias de sonido. Un sonido de batería pop también puede tender a estar fuertemente producido, lo que se consigue mediante el uso de triggers y samples.
4. Electrobatería
https://youtu.be/O-OjloiG1TIHay muchos estilos diferentes de música electrónica, como techno, trance, house, drum and bass, dubstep y muchos más.
Cada uno de estos estilos tiene su propia firma rítmica. Muchos de ellos utilizan ritmos clásicos, pero géneros como el drum and bass emplean ritmos breakbeat que suenan de forma muy distinta.
Aunque los productores de música electrónica suelen utilizar DAW o cajas de ritmos para componer sus pistas de batería, a menudo se recurre a los baterías por su presencia y sonido en las actuaciones en directo.
El uso de disparadores de batería y samples está muy extendido en la batería electrónica. Muchos bateristas han sido pioneros en el uso de la electrónica en sus configuraciones acústicas, lo que ha dado lugar a un nuevo y emocionante sonido.
5. Tambores latinos
https://youtu.be/xTAuMx89lrYLas formas musicales más comunes de la música latina son la salsa, la samba, la bossa nova, la rumba, la música afrocubana y la música brasileña. La mayor diferencia entre un estilo de batería sencillo como el rock/pop y la música latina es el sentimiento.
También puede acabar siendo un gran reto para alguien demasiado acostumbrado a tocar rock. De hecho, la mayoría de las formas de música latina giran en torno a la clave. La clave es un ritmo característico de la música latina que rige todo el conjunto.
Además, en lugar de tocar un surco directo en la caja, el bombo y el hi-hat, la música latina es extremadamente libre y pasa de una subdivisión a otra con bastante fluidez.
También implica el uso de instrumentos de percusión como timbales, congas (tumbadoras), bongo, cencerros, jam blocks y tacos de madera.
Los tambores latinos se basan en gran medida en la independencia cuádruple. Es increíble cómo los bateristas pueden conseguir una independencia excepcional.
Puedes inspirarte en bateristas latinos como Dafnis Prieto, Horacio El Negro Hernanadez, Keiko Fritas e Ignacio Berroa.
6. Drum Funk
https://youtu.be/JCQLDrKv6qALos rellenos dan escalofríos, pero los grooves pagan las facturas. La música funk gira en torno al groove.
El funk es una mezcla de soul, jazz y blues. El funk fue uno de los primeros géneros en centrarse en el ritmo más que en la melodía o la armonía. La música funk se caracteriza por elementos como el slap bass, efectos de guitarra como el wah-wah, vientos y patrones de batería sincopados.
La batería funk engloba una serie de conceptos que se han incorporado a otros estilos de batería. Las principales características de la batería funk son la síncopa, el desplazamiento rítmico, el toque del hi-hat, las notas fantasma en la caja y los patrones lineales que se tocan alrededor del kit entre las manos y los pies.
A diferencia de los tambores del rock y el pop, algunas situaciones del funk implican ritmos muy sincopados.
Algunos de los ritmos funk más famosos que merece la pena escuchar son «Cissy Strut» de The Metres, «Funky Drummer» de James Brown y «Soul With A Capital S» de Tower of Power. Es esencial escuchar a los bateristas funk para hacerse una idea del cover que sienten.
Algunos nombres notables son Bernard ‘Pretty’ Purdie, Clyde Stubblefield, David Garibaldi, Mike Clark, Dennis Chambers, Steve Jordan y Steve Gadd.
El funk nació a mediados de la década de 1960 en Estados Unidos. Uno de los músicos funk más influyentes fue James Brown.
7. Batería metálica
https://youtu.be/qyP9abw17RIVelocidad, potencia y precisión en la batería son la santísima trinidad de la batería de heavy metal. Toda la banda depende del batería. Una diferencia importante entre las baterías de metal y las de otros géneros es el tamaño de las primeras.
La música heavy metal se caracteriza por una interpretación fuerte y agresiva, voces gruñonas, ritmos enfáticos y un sonido denso de guitarra, bajo y batería.
Los bateristas de metal suelen tener grandes baterías, no sólo por su tamaño, sino también por su sonido.
Dos características principales de la batería se originaron en el metal y se utilizaron más tarde en otras formas de música: el uso del doble bombo y la estrangulación de los platillos.
Tocar la batería de metal requiere una resistencia, velocidad, coordinación y precisión extremadamente altas. Los surcos y rellenos utilizados en el metal son bastante complejos y difíciles de tocar con fuerza.
Como la percusión metálica es muy exigente, es imprescindible empezar poco a poco y desarrollar la técnica adecuada para evitar lesiones.
El drum metal puede clasificarse en varios subgéneros, como death metal, thrash metal, black metal y doom metal.
Entre los bateristas de metal que merece la pena conocer figuran Danny Carey (Tool), Chris Adler (Lamb of God), Mike Portnoy (Dream Theatre, Liquid Tension Experiment, Avenged Sevenfold y The Winery Dogs) y Lars Ulrich (Metallica).
Los tambores de metal son más pesados que los de rock. Se popularizó a finales de los años 60 y 70, principalmente en el Reino Unido y Estados Unidos.
8. Batería punk
https://youtu.be/MokRDg0gh5oLa batería del punk rock puede considerarse similar a la del hard rock, pero tocada más rápido. Cuando la música rock despegó en la década de 1970, su contrapartida rebelde empezó a desarrollarse en Australia, Estados Unidos y el Reino Unido.
Letras políticas, tempos rápidos, duraciones cortas e instrumentación mínima rigen la música punk. Una canción punk típica consta de una o dos guitarras eléctricas, bajo, batería y voz. Aunque no hay mucha complejidad en este estilo musical, la música punk puede dividirse en distintos subgéneros, como el hardcore punk, el crust punk y el ska punk.
Un auténtico sonido de batería punk rock se caracteriza por redobles en todos los tiempos (los «y») tocados como golpes acentuados o rim shots, dobles rápidos en el bombo y hi-hats abiertos de mala calidad. Algunos de los grupos de punk rock más conocidos son los Ramones, Sex Pistols, Black Flag, The Clash y NOFX.
9. Tambores Reggae y Ska
https://youtu.be/pEUiCjZsaW0Tocados con la dosis justa de sentimiento, precisión y rigor, los grooves de reggae son realmente agradables de escuchar. Los ritmos reggae se componen de muchos detalles y sutiles variaciones, lo que los hace difíciles de tocar.
Al igual que otros géneros, el reggae también puede clasificarse en distintos subgéneros, lo que permite explorar un vocabulario siempre cambiante de ritmos y variaciones. Algunos de los ritmos reggae más comunes son el ska/rocksteady, el one drop, los rockers y los steppers.
La batería del reggae es precisa y directa. El trabajo del batería consiste en mantener un ritmo firme y constante que debe contar con el apoyo del bajista. Juntos sientan las bases para el resto de la sección rítmica, la guitarra y el teclado.
El ska es una forma de música reggae que se originó en Jamaica en la década de 1950. Puede entenderse como una mezcla de rhythm and blues estadounidense y estilos caribeños como el calypso y el mento. Hay dos tipos distintos de ska: el ska jamaicano y el ska británico de dos tonos.
Un ritmo típico de ska tiene acentos en los tiempos ascendentes, descansos en el primer tiempo del compás y la caja y el bajo tocan al unísono en los tiempos 2 y 4. Algunos bateristas notables de reggae son Sly Dunbar, Santa Davis, Nelson Miller y Carlton Barrett.
10. Tambores Swing y Shuffle
https://youtu.be/KBcXJzSVd-4Cuando comparo el shuffle y el swing, pienso que el swing es un concepto y el shuffle un estilo. Los ritmos de shuffle suelen tener tresillos en el ride o los hi-hats.
Es esta sensación de tresillo la que hace que tenga un fuerte swing. Así es como podemos entender que el swing es un concepto utilizado en el shuffle groove.
Es importante contar este ritmo de la forma correcta antes de tocarlo para interiorizar realmente la sensación. Puedes empezar contando TRIP-uh-LET, TRIP-uh-LET, TRIP-uh-LET, TRIP-uh-LET, y así sucesivamente.
Una forma ideal de empezar es practicar con el pad antes de llevarlo al kit. Una vez familiarizado, puede transponerse al hi-hat o al ride mientras el bombo toca las cuatro negras o los tiempos uno y tres.
En un groove de shuffle, el bombo es normalmente el instrumento que sufre las variaciones, mientras que el ride/hi-hat y la caja tocan el ostinato de shuffle que mantiene el groove.
Algunos bateristas que me vienen a la mente son Steve Gadd, Bernard «Pretty» Purdie, Steve Jordan, James Gadson y Benny Greb.
Conclusión
Es realmente fantástico aprender a tocar muchos estilos diferentes de batería porque amplía tus horizontes como baterista. Tocar diferentes estilos te empuja fuera de tu zona de confort, lo que puede ayudarte a mejorar tu coordinación, musicalidad, técnica, capacidad para leer la notación musical, ¡y mucho más!
Ser capaz de tocar muchos estilos diferentes también puede hacer que estés mucho más solicitado como batería, ya que podrás tocar en muchas más situaciones musicales.
Por supuesto, no se trata de una lista definitiva. Dicho esto, muchos otros estilos que encuentre pueden ser subgéneros de los enumerados anteriormente.
Utiliza esta lista como punto de partida y no te olvides de echar un vistazo a algunos de los baterías y grupos mencionados, ya que son una gran fuente de inspiración para ayudarte a explorar más a fondo estos estilos de batería.